Babycall, 2011.

Noomi Rapace vem se especializando em dramas realmente viscerais. Ela fez uma excelente Lizbeth Salander na versão sueca de "Millennium" (mais conhecida como "assista ela ao invés daquela feita pelo Fincher ano passado") e me arrancou lágrimas com sua interpretação em "Beyond" (2010) (melhor filme estrangeiro que vi ano passado e que, para variar, ficou de fora no Oscar 2012). Em "Babycall", ela segue a mesma linha marcante.

Escrito e dirigido por Pal Sletaune (que não quis dirigir "Beleza Americana" por achar o roteiro fraco), "Babycall" é um típico filme norueguês: frio. Mas não no sentido negativo: é um "frio" mais no sentido de machucar mesmo. Noruegueses não possuem um olhar muito positivo da vida e isso sempre é transmitido em seus belos filmes. Nesse caso, estamos em Oslo - sempre nublada - e acompanhamos a vida da divorciada Anna (Noomi) e de seu filho Andres, e sua luta para proteger o garoto do pai violento. O problema é que a mãe é extremamente protetora, beirando à insanidade e a qualquer custo não quer deixar que seu filho lhe seja tirado pela assistência social. No meio do caminho surge Helger, um vendedor de boa alma que tenta Anna a superar seus traumas ao mesmo tempo em que ele luta contra os próprios fantasmas.

Noomi Rapace vem provando há um tempo já que é merecedora de ao menos uma indicação aos grandes prêmios do Cinema. Ela é simplesmente maravilhosa! Ela consegue convencer em qualquer papel que lhe é dado e, convenhamos, fazer os tipos de dramas que ela faz não é pra qualquer atriz: não são todas que conseguem carregar um filme inteiro nas costas. Os olhos de Noomi são um show à parte sempre: reparem como ela sempre consegue dizer tudo com um olhar apenas. Ela está brilhante no papel de mãe protetora em "Babycall".

O filme é um thriller fantástico, realmente. É tenso do início ao filme e você fica grudado na tela querendo saber o que acontecerá. Os últimos 15 minutos, quando se dá a conclusão da história, são surpreendentes! Enfim, qualquer filme que tenha Noomi Rapace como protagonista eu recomendo. E se for escandinavo, recomendo em dobro!

Alex Martire

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Sete Dias com Marilyn, 2011

"O primeiro amor é um doce desespero".

Quase no fim do filme Dame Sybil (Judi Dench) diz essa frase ao assistente de diretor Colin Clark (Eddie Redmayne). Estão todos no set de filmagem de "O Príncipe Encantado" (1956), observando Marilyn Monroe encenando a tomada final. Colin Clark está melancólico: a Sra. Monroe quebrara seu coração, assim como já fizera diversas vezes com diversos outros homens em sua vida.

Minhas impressões sobre o "Sete dias com Marilyn" começam com duas ressalvas importantes: 1) nunca vi um filme com a Marilyn original; 2) sou homem (sem prepotência nesse termo, deixo claro). Elas afetaram minha visão sobre o filme. Não sei como era a Marilyn verdadeira, como atuou, se era uma boa atriz, se era a "maior estrela do mundo": então só posso me basear no roteiro desse filme e na atuação de Michelle Williams. A segunda ressalva é bem óbvia: estamos diante da loira mais famosa que já existiu, um ícone pop de uma geração e um sex symbol, quase um fetiche masculino. A história é um recorte da viagem de Marilyn à Inglaterra em 1956 para filmar "O Príncipe Encantado", dirigido por Laurence Olivier (Kenneth Branagh). O jovem sonhador e amante do cinema Colin Clark se oferece no estúdio local para trabalhar nas filmagens e acaba ficando encarregado de tomar conta de Marilyn (na época, casada com o  escritor Arthur Miller). Não é preciso muito para que o garoto acabe deixando sua namorada (Emma Watson) de lado e ceda aos encantos da loira. Essa é basicamente a sinopse do filme. Simples? Sim. Mas fascinantemente sustentada por atuações.

Um elenco que tem Kenneth Branagh e Judi Dench já faz valer assistir a qualquer filme. Considero os dois verdadeiros "monstros" do cinema: amo os filmes shakespearianos de Branagh e a Sra Dench já ganhou um Oscar de atriz por meros 8 (eu disse oito) minutos de atuação em "Shakespeare Apaixonado". No caso da Michelle Williams, devo ter visto outros filmes com ela, mas só me lembro de cabeça do "Brokeback Mountain" (esposa do Ennis Del Mar). Confesso que, no começo de "Sete dias...", eu torci o nariz para ela, com um rosto apático e meio sem graça. Mas depois de uns 20 minutos de projeção ela me conquistou. E vem agora outra questão: Fui conquistado pela atuação de Michelle Williams ou pela figura de Marilyn Monroe? Afinal, aqueles lindos olhos azuis, a sua insegurança charmosa, a sua piscadela, o seu modo de sorrir, tudo isso, acredito, pertenceu à Marilyn. E, se foi realmente assim, a Michelle Williams me vendeu uma interpretação absolutamente maravilhosa! Caí feito bobo nas garras da loira fatal, tal como Colin Clark, me apaixonei por tudo nela, até pelos seus defeitos de atuação (ela esquecia falas, tinha medo de ir para o cenário gravar). Esse filme, enquanto eu não assistir a um com a Monroe verdadeira, sempre me deixará com essa questão em mente: mérito da Michelle ou mérito da personalidade de Marilyn?

O ano de 2011 trouxe 3 grandes biografias às telas. A minha preferida é, sim, a de Edgar Hoover filmada pelo Clint Eastwood (um filme redondinho). "Sete Dias com Marilyn" fica em segundo lugar: não é um filme que vai mudar a vida de ninguém, não é um filme o qual você se lembrará pra sempre, mas é um gostoso passatempo que vale a pena assistir. Por fim, temos "A Dama de Ferro" que, tirando a atuação da Meryl Streep, deveria ser defenestrado da história do cinema. Não sei quem ganhará o Oscar logo mais, mas não acharia ruim se Michelle Williams levasse (embora eu ainda torça para a Viola Davis em "Histórias Cruzadas").

E, finalmente, fica a questão maior que é colocada sutilmente nesse filme: "Que homem não se apaixonaria por Marilyn Monroe?"

Alex Martire

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Inquietos, 2011.

Gus Van Sant fez filmes ótimos até hoje, sendo os mais famosos o "Milk" e o "Gênio Indomável". Estranhamente, "Inquietos" passou um pouco despercebido da mídia. Tudo bem, sei que muita gente não gostou, mas, para mim, o filme deveria ter mais reconhecimento.

Temos Enoch (o quase estreante Henry Hopper) e Annabel (a sempre bonita Mia Wasikowska) formando um casal que se conheceu durante a morte, no caso, um funeral. Ambos parecem personagens saídos de um poema do Allan Poe: sempre com roupas "estranhas", lembrando um pouco o fim do Dezenove e o início do Vinte, os têm uma atração pela morte e gostam de passar o tempo indo a funerais de desconhecidos. Na verdade, os jovens têm em comum a morte em suas vidas - Enoch possui um trauma em seu passado, enquanto Annabel sofre com um tumor no cérebro. Esse gosto em comum os aproxima e um amor surge para coroá-los.

Tinha tudo para ser um filme "sentimentalóide". Mas não o é. Gus Van Sant não apela para o choro excessivo, à toa: a história se passa naturalmente, e com boas pitadas de humor. A fotografia é muito, muito bonita e o filme se transforma em algo realmente poético, uma celebração ao fato de estarmos vivos (tal como a história do pássaro cantor). Mesmo tendo uma doença terminal, Annabel não fica desesperada tentando fazer tudo o que não havia feito até então: ela aceita o fato com resignação, e segue em frente. E o amor dos dois é puro, sincero, quase de crianças -  eles se permitem imaginar, ter ficções, contos de fadas em suas mentes e trabalhar nelas (o que, particularmente, acho fantástico para um casal). Tudo isso até o fim do filme, que termina deliciosamente lindo e sincero. Obviamente quem assiste irá chorar mas, isso é ser apelativo? Não acho que seja demérito de Gus Van Sant, ao contrário: ele nos envolve de tal maneira que sorrimos entre as lágrimas.

"Inquietos" é um filme romântico que foge do estereótipo desse gênero: o amor é o fundo da história: não é uma história sobre como amar (que, repito, todos sabemos como é, cada um a sua maneira). Imperdível.

Alex Martire

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Peppermint Candy, 1999.

O amor não concretizado é uma coisa que pode destruir a pessoa e levá-la a uma vida de violência. "Peppermint Candy" foi dirigido por Chang-dong Lee há mais de uma década e mostra que o sujeito vinha se tornando mais e mais maduro até culminar no brilhante (embora um tantinho longo demais) "Poesia", de 2010.

Tudo começa com Kim Yongho participando de uma festa com colegas da juventude. Ele surta e acaba parando no trilho do trem. Quando a locomotiva se aproxima ele grita "Eu voltarei!", e então somos jogados no passado, em um filme sendo rebobinado constantemente. Conforme os anos regridem, vamos entendendo os motivos que tornaram Kim tão perturbado: ele se tornou um homem sem nada na vida - sem emprego, sem moradia descente, sem esposa, sem filha, nada lhe restou a não ser o suicídio.

Chang-dong Lee fez um filme onde brinca com a violência. Kim é um policial que usa a tortura para arrancar confissões, é bruto com a esposa e não se importa minimamente com quaisquer sentimentos alheios. Tudo se torna ainda mais "belo" com as paisagens da Coreia do Sul: seja o trem viajando para o passado, seja a cidade onde só chove. No começo causa um pouco de estranhamento os cortes que o diretor faz entre as fases da vida de Kim, mas depois de uma meia hora a gente já está acostumado. A fotografia, embora simples, é muito bonita, com a escolha de alguns ângulos muito inspirados.

Já falei mais de uma vez aqui que sou fã do cinema coreano. Adoro a maneira como misturam violência, amor, dor e alegria de um modo tão natural, tão humano: praticamente não há maniqueísmos. E com o passar dos anos me acostumei ao ritmo do cinema da Coreia do Sul: nem todos têm paciência, geralmente todos os filmes têm mais de 2 horas, mas é aí que, para mim, reside todo o encanto - eles levam o tempo necessário para desenvolver a história (raramente são rasas), eles dão ao espectador a chance de sentir empatia (ou não) pelas personagens. Esse é mais um dos filmes orientais que recomendo sem pensar duas vezes.

Alex Martire

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J. Edgar, 2011.

Clint Eastwood é um diretor que, acredito, não tem meio termo: ou você ama, ou odeia. Faço parte da metade que o adora, e acho que é assim porque aprendi a ver as obras do Clint como filmes mais do que como propagandas estadunidenses.

Em "J. Edgar", Eastwood vai se voltar contra os comunistas para contar as raízes e a história do surgimento do FBI na década de 1930, tudo sob a ótica de seu fundador, John Edgar Hoover. Confesso que tinha um pouco de receio de assistir a esse filme por ser uma biografia política: vi recentemente o pavoroso "A Dama de Ferro" e ainda estava sob o trauma de histórias governamentais. Mas eu pensei comigo mesmo: "Se é do Clint, é bom". Ainda bem que segui meu "instinto"!

Gosto bastante de História dos EUA, nunca neguei isso a ninguém. Gosto como ela foi sendo formada, como o seu povo superou diversos obstáculos para, no fim, estabelecer seu imperialismo: é sempre uma história de constante superação, e de empirismo também. Acho que tenho uma tendência a gostar de Impérios, já que me especializo em romanos, então acabei naturalmente pegando gosto pela história estadunidense (obviamente, sem contemplá-la idiotamente). O sobrenome Hoover pra mim, até ver o filme, sempre foi sinônimo de presidência (que foi seguida por Roosevelt): mas assistindo eu acabei ficando bastante interessado na figura de J. Edgar: suas articulações para conseguir estabelecer o FBI são muito interessantes, sem contar que ele instaurou nos EUA todo um sistema de catalogação e investigação científica por parte da polícia (é quase um Holmes estadunidense). Também fica bem trabalhado no filme a questão da propaganda que Hoover fazia de si mesmo: tanto no caso das prisões como - creiam - em histórias em quadrinhos! (ele aparecia nos gibis da época, procurem no Google e acharão). 

Leonardo DiCaprio, por sua vez, dá mais um espetáculo de interpretação. Auxiliado por uma equipe de maquiagem brilhante (que o envelhece uns 40 anos), ele convence a todos no papel de um homem dominado pelos desejos da mãe, que luta para não gaguejar e para esconder sua homossexualidade. Desde "Gilbert Grape" eu vejo o DiCaprio crescer em suas atuações, e o acho um dos melhores atores na atualidade (inclusive no "Titanic" que, apesar de ser odiado por muitas pessoas, eu sou uma das que adoram esse filme). 

Os filmes do Clint Eastwood são sempre uma espécie de reflexo da Direita estadunidense, e isso o segue desde os tempos em que atuava como cowboy nos filmes de bang-bang (tenho mais carinho por esse termo do que por "western"). Mas entendendo que isso é o que ele pensa -  e que também é muito bom ouvir o lado "direitista" para entendermos seus argumentos - seus filmes se tornam pequenas obras-primas, sempre. Acho que "J. Edgar" não seria tão bom se não fosse feito por Eastwood com agora quase 82 anos: é uma biografia de um homem maduro, contando sua juventude para ghost writers: Eastwood está numa posição em que a idade lhe permite mostrar que entende da vida.

E com seus mais de 80 anos Clint Eastwood ainda mostra que é um dos melhores diretores na ativa: "J. Edgar" pode não ser o seu melhor filme, mas certamente não será esquecido. 

Alex Martire

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Ronal, O Bárbaro, 2011.

O que esperar de uma animação dinamarquesa, que não pertence aos grandes estúdios e que trata de guerreiros? Simplesmente uma das melhores animações que já vi!

"Ronal" é surpreendente do começo ao fim. A história narra a busca de Ronal, um bárbaro fracote, filho de Kron, pela auto-estima e libertação de seu povo. Mas some a isso um roteiro inteligentíssimo e um humor politicamente incorreto e você terá "Ronal, o Bárbaro". Não me lembro de ter rido tanto com uma animação! (A cena da escalada na torre élfica com Ronan invisível é de não se esquecer jamais).  O filme simplesmente brinca com todos os estereótipos das obras de aventura feitas nos "mundos mágicos": é uma mistura perfeita entre "Conan" e "Senhor dos Anéis"!

Há muito tempo não me empolgava tanto com uma animação. Por ser de um estúdio pequeno, ela não prima pela questão técnica, mas consegue se segurar pela história, diálogos e humor impecáveis. Traz à memória todos aqueles filmes dos anos 80, quando o gênero Fantasia ainda era uma vertente poderosa no mundo do cinema, mas sendo uma animação voltada para adultos.

Não há como não se encantar por essa pérola dinamarquesa: já entrou facilmente para a lista das melhores animações que vi na vida. Divertidíssimo!

Alex Martire

(Os créditos finais, com caveiras cantando heavy metal e imitando o Queen, são maravilhosos)

Alex Martire

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Chico & Rita, 2010.

Um amor, quando verdadeiro, pode aguentar mais de quatro décadas de espera e distância até se concretizar. Ao menos, é isso o que prova a animação  "Chico & Rita", indicada ao Oscar 2012 e que - tenho quase certeza - perderá para a Pixar / Disney / Dreamworks (mas tudo bem, ainda acho "Rango" a melhor animação do ano passado).

"Chico & Rita" ganha uns pontos extras comigo por conta do 2D empregado nas personagens em um estilo, digamos, bem cubano. Contudo, misturar o 2D das personagens com todo o resto feito em 3D traz problemas: não são poucas as cenas onde podemos reparar problemas no tracking, deixando as coisas um pouco "tremidas". Porém, isso não tira o mérito da obra, de modo algum.

A animação é deliciosa! Se você gosta de jazz, assista. Se você adora rumba, assista. Se você é fã de histórias de amor, assista. "Chico & Rita" reúne o melhor das três opções: é uma animação musical, repleta de bemóis e sustenidos viajando pelas diversas claves dos instrumentistas e seus universos. A ambientação de Havana e Nova Iorque nas décadas de 1940 e 1950 está excelente: dá quase pra sentir o cheiro das ruas e se perder pelas ruas iluminadas.

A história do pianista Chico e da cantora Rita (e sua paixão) é um tanto simples: ambos querem sucesso e tentam a vida deixando Cuba e indo para os EUA. Ciúmes e jogos de interesses vão prejudicar alguns sonhos e não posso contar mais do que isso. Mas se o enredo é simples, algumas cenas são memoráveis: a homenagem à "Casablanca" é ótima, e "Chico e Rita" me proporcionou uma das cenas mais lindas que já vi em animação: o bar vazio, com Chico ao piano e Rita cantando e dançando, para logo depois emendar em uma noite de amor à luz da lua e culminando com os corpos nus se tocando em frente ao piano (o poster acima).

"Chico & Rita" não é uma obra-prima, mas é um grande filme que vale a pena ver nessa época em que é tão difícil encontrar animações adultas.

Alex Martire

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A Invenção de Hugo Cabret, 2011.

É realmente difícil falar do Martin Scorsese. Sou fã de seus filmes, todos eles sempre tão adultos, com diálogos repletos de palavrões e ritmos muito dinâmicos. Então, pela primeira vez, o Scorsese resolve banir esse fator "adulto" de suas obras e filma "A Invenção de Hugo Cabret". A competência de Scorsese já é tão gigantesca que ele pode fazer qualquer coisa que tiver em mente. E o melhor: sempre dará certo.

"Hugo" narra a história do garoto órfão vivido por Asa Butterfield (no qual temos de ficar de olho, tem tudo para ser um grande ator) que habita a Gare du Nord da Paris pós-Primeira Guerra. O menino leva jeito em consertar as coisas e, sorrateiramente, sobrevive ajustando os relógios da estação de trens. Sua vida toma um novo rumo quando descobre o segredo guardado no autômato (um boneco mecanizado), que o liga diretamente a Georges Méliès (esplendidamente interpretado por Ben Kingsley), o famoso cineasta (que na época do filme caiu em esquecimento).

Tudo bem, roteiro simples e com alguns pequenos problemas (a questão do pai de Hugo, por exemplo, fica uma incógnita). Mas o filme não seria tão bom se não fosse dirigido pelo Scorsese. Todos sabem que o diretor, antes de ser um dos melhores na ativa, é um cinéfilo de carteirinha. Ele restaura filmes, faz documentários, enfim, vive para o Cinema. "Hugo" nada mais é do que uma declaração sensível e belíssima a essa Arte de fotografias em movimento. Talvez seja até mais do que isso: é, literalmente, uma aula de cinema, resgatando os primórdios dos filmes, explicando aos espectadores como se deu a invenção dessa magia pela qual sou completamente apaixonado. É realmente de chorar ver as cenas originais dos filmes de Méliès misturadas aos "making ofs" recriados por Scorsese: como diz Méliès, é onde os sonhos são feitos.

"Hugo" pode não ser a obra-prima de Scorsese mas, certamente, é um dos filmes dele que mais me tocou, mais me emocionou. Na briga pelo Oscar desse ano temos, então, dois filmes que declaram seu amor ao Cinema, porém, diferentemente do horrível "O Artista", "Hugo" é mais sincero, menos emulador e mais amante. Se ganhar o Oscar, será mais do que merecido. Recomendado para os que amam o Cinema de coração.

(OBS: Não vi o filme em 3D, mas deu para perceber de antemão como foi planejado desde o início para ser em três dimensões - e que deve ter ficado absolutamente fantástico. Caso eu assista ainda em 3D, volto para mais algumas impressões)

Alex Martire

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Medianeras - Buenos Aires na Era do Amor Virtual, 2011.

"Medianeras" tem sabor de chocolate quente. Existem filmes deliciosos que deixam em minha boca sabores aconchegantes: esse é o caso da obra de Gustavo Taretto.

Conseguiu me fisgar com uns 20 ou 30 segundos de seu início. Somos "apresentados" a Buenos Aires ou, mais precisamente, à paisagem urbana da capital argentina. De modo inteligente, o voice over de Martín analisa os prédios, sua arquitetura diferente e como o espaço é normativo na vida de seus habitantes. É sempre um ambiente onde o sol quase nunca chega, vivem em sombras, tal como o coração dos protagonistas principais, Martín e Mariana. Ambos vivem conectados ao mundo graças à internet, mas, ao mesmo tempo, estão isolados da sociedade e, pior, de si mesmos: os dois tiveram desilusões amorosas e agora se encontram vivendo sozinhos em seus apartamentos (em prédios vizinhos), sofrendo com a falta de claridade em suas vidas e cômodos, afogando-se na rotina depressiva que aquela eterna sensação de se estar rodeado de pessoas e se ver só consegue trazer.

Martín coleciona bonecos de ação e miniaturas de heróis. Mariana coleciona os manequins com os quais trabalha sendo vitrinista. Os dois têm suas dificuldades em conviver, têm fobias que atrapalhar o cotidiano. E os dois são viciados em computadores Mac (ou a Apple, pra variar, investiu mais uma vez num filme, para fazer propaganda, como sempre o faz). Num determinado momento, Martín diz que desde que se sentou em frente a um computador há 10 anos parece que jamais se levantou. Somos cada vez mais viciados em tecnologia e isso afeta, sim, o modo como nos comportamos com pessoas quando as vemos pessoalmente.

O filme vai ao encontro de algo que, pessoalmente, não compartilho: a ideia de que a "vida moderna", com sua tecnologia, nos "escraviza", nos torna cada vez mais enclausurados em detrimento da vida "real". Enfim, isso daria uma longa discussão e não é o que importa aqui. Mesmo com o filme batendo nessa tecla (não pude resistir!) negativa, não pude deixar de me encantar com os inteligentíssimos diálogos de "Medianeras": são um show à parte e o uso excelente de voice over é mais um atrativo que me fez cair de amores pela obra de Taretto (adoro filmes assim). Entendi também a mensagem que o filme quis passar ao mostrar Martín e Mariana com seus "casos" que nunca dão em nada: ambos levam seus "encontros" para a cama no dia em que os conhecem, não dando tempo de se ter qualquer relação sentimental mais profunda (então não adianta chorar depois, viu, Mariana?) - seria isso uma metáfora à informatização do mundo, sempre tão rápida e "rasa"? (Novamente, discordo dessa ideia, mas a entendi no contexto do filme).

Por fim, "Medianeras" tem uma montagem incrível e bastante original: dá gosto de ver - o filme passa bem rápido, dinâmico, prendendo a atenção, sem cair no melodrama de filmes românticos chorosos. E o final do filme é um dos melhores que já vi! É engraçado, mágico, perfeito.

Como o filme nos mostra, para algumas doenças somente o amor é a cura. E para aqueles que não têm muita ideia do que assistir no cinema ou em casa, recomendo de pronto: "Medianeras". Nossos irmãos argentinos, mais uma vez, nos mostram como se faz cinema: uma pena que ainda não tenhamos aprendido muito bem por aqui. Maravilhoso!

Alex Martire

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Star Wars - Episódio I: A Ameaça Fantasma 3D, 2012.

George Lucas é um sádico que sabe como levar os fãs à falência. Sou apenas mais um dos milhares, dos milhões de fãs ardorosos de Star Wars (ou, como era chamado na minha época, "Guerra nas Estrelas"). Lembro como se fosse hoje a primeira vez que vi Star Wars no cinema: foi no relançamento remasterizado de 1997, comemoração então de 20 anos do Episódio IV. Não tive a sorte de ter visto os originais mesmo no cinema, mas nasci no ano de lançamento do Retorno de Jedi: estava predestinado a gostar da franquia.

No dia 24 de junho de 1999 eu, ainda sofrendo os efeitos de uma noite mal dormida devido à ansiedade, fui pegar a primeira sessão (era entre 10 e 11h da manhã) do Episódio I. Sentei na poltrona do canto, sozinho, e esperei o letreiro subir na tela. Como eu estava aguardando "A Ameaça Fantasma"! Tinha colecionado recortes de jornal (que guardo até hoje, na minha pasta-dossiê Star Wars) e amaldiçoava o fato de o filme, aqui no Brasil, estrear com dois meses de atraso (naquela época era assim: demorava; somente com "Matrix Reloaded" começou a haver estreias simultâneas ao redor do globo). Pois bem, o letreiro subiu e minhas lágrimas desceram: estava em êxtase, um sonho meu era realizado naquela manhã. Adorei tanto o filme que fui ver mais umas 3 vezes no cinema. E depois aluguei o VHS mais umas tantas vezes. Foi um momento bem especial em minha vida, jamais esquecerei.

Finalmente, depois de 13 anos, pude reviver essa emoção nas telonas. Milagrosamente, George Lucas não fez mudanças profundas nessa primeira trilogia, então o que está em cartaz é a recente versão lançada em blu-ray, mas em 3D. E é aí que começam os problemas...

O 3D de Star Wars é uma piada. É vergonhoso. É ultrajante. Sabe por que? Simplesmente porque  quase não há sensação alguma de profundidade! O fato de o filme, originalmente em 2D, ter sido convertido iguala o Episódio I a todos os demais filmes convertidos que estão em cartaz, mas com uma diferença: quando produzido, em 1997-1998, não foi pensado para ser em três dimensões. Então não há praticamente nada que reforce a profundidade na tela. Nem a corrida de pods, nem a batalha entre gungans e os robôs: nada se salva quando convertido em 3D! O filme praticamente não mudou, o 3D não acrescentou nada. O pior é: eu, como bom fã, já sabia que seria assim... Mas, sendo fã, não dá pra perder Star Wars na telona quase IMAX e com som digital: é diversão garantida!

Mesmo sendo o filme mais "arrastado" de todos, o "Ameaça Fantasma" é um filme redondinho: ele é demorado por causa das diversas explicações e tramas paralelas que ocorrem (e que terão peso no futuro). Mas ainda dá pra se emocionar, pra se animar como criança assistindo hoje, adulto: quem não se empolga com o duelo final entre Qui-Gon, Obi-Wan e Darth Maul (de longe, um dos vilões mais mal aproveitados da história do cinema, e um dos que mais ganhou destaque, vide o poster)?! É perfeito! E é gratificante ver pais levando seus filhos ao cinema, para provarem da mesma paixão que um dia eles tiveram. 

Enfim, como eu disse acima: Lucas sabe tomar meu dinheiro. Soube me enganar com essa conversão fajuta para 3D. E tenho de confessar: ainda serei enganado mais 5 vezes...

Alex Martire

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Precisamos falar sobre o Kevin, 2011.

Quem deve pagar pelos erros dos filhos? Os pais? As crianças? Talvez seja isso o que a diretora Lynne Ramsay quis explorar em seu segundo longa. "Precisamos falar sobre o Kevin" é um filme muito tenso, daqueles que prendem a atenção do início ao fim. E também é um filme de fragmentos.

A obra é formada por fragmentos. O filme é helicoidal, mas deixando bem claro quais momentos pertencem a quais períodos da história (a sensibilidade em deixar o cabelo de Eva mais curto quando lida com o passado é muito bem recebida: solução simples). Desse modo, a gente enxerga a vida de Eva Khatchadourian (sim, dá nó na língua) em pedacinhos, cobrindo o nascimento de seu primeiro filho com Franklin até os primeiros anos de vida da filha Celia. A diretora trabalha muito bem com o nosso "sadismo": a cada vez que pensamos que vamos entender o trágico acontecimento que marca a família, ela corta a cena para contar mais um pouco da história de Eva. Não é novidade se fazer isso em filmes, mas Lynne o faz muito bem, aumentando o clima tenso até o desfecho brutal.

Você assiste e pensa: "Eva a culpa é e, ao mesmo tempo, não é sua". Diferentemente da mentalidade estadunidense dos pais acusando Eva pelo o que ocorreu no passado, não acho que ela mereça sofrer (ainda mais) com discriminação - mesmo entendendo a dor dos demais pais. Como o título diz, é necessário falar sobre o Kevin. O menino é problemático desde que nasceu. Ele tem tendências masoquistas. Mas os pais nunca o levaram a um médico que pudesse ajudá-lo psicologicamente e também nunca levantaram a mão para ele, para dar uns tapas (e, apesar da ridícula lei do Brasil, sou a favor, sim, de educar os filhos também com uns tapas - desde que não seja espancamento, claro - isso também é uma forma de amor, e desconheço quem, assim como eu, também tenha levado umas chineladas e quando adulto virou psicótico). A falta de diálogo entre a mãe que enxerga o filho doentio e o pai sempre complacente só poderia dar no que deu: a gente sente isso desde o começo do filme.

E se eu disse que o filme é formado por fragmentos, a Eva é o retrato dessa pessoa despedaçada. Interpretada pela sempre brilhante Tilda Swinton, Eva vive banhada, às vezes literalmente, nas manchas vermelhas de sua vida. A briga de tomates no começo do filme, o vandalismo com tinta vermelha em sua casa, as mãos lavadas sobre a pia, tudo está ali para nos lembrar que ela tem uma mácula. Culpa dela ou não? O filme, ainda bem, não faz esse julgamento: cabe a cada um que assistir. Um grande filme.

Alex Martire

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Tyrannosaur, 2011.

Algumas pessoas simplesmente são violentas. Verbalmente ou fisicamente. Elas têm esse espírito agressivo, provocativo e que gosta de machucar / magoar. Joseph é esse tipo de pessoa.

O primeiro longa dirigido por Paddy Considine (que também é um ator muito bom) tem arrancado críticas positivas e sou apenas mais um que engrossa a fila dos que adoraram o filme. "Tyrannosaur" é daquelas obras de baixo orçamento que têm de se agarrar ao roteiro para sobreviverem, ou seja, é do tipo que mais gosto. Quando um filme se segura pelo roteiro é porque ele é, no mínimo, interessante. Considine, contudo, ultrapassou a barreira do interesse e fez um dos melhores filmes lançados ano passado que, misteriosamente, ficou fora das grandes premiações, embora tenha ganho duas "estatuetas" no Sundance. É um filme sobre violência e sobre como nossos instintos, muitas vezes, são mais fortes do que a gente. Em determinado momento Joseph diz à Hannah: - "Não sou uma boa pessoa. Você não me conhece direito". Nada mais sincero: pouco da vida de Joseph nos é dito, então não sabemos como ele se tornou o que é, de onde vem sua raiva, por que não consegue se controlar. Ele passa o dia todo no pub, embebedando-se e arrumando brigas com quem mal o encara. Há um novo rumo quando esbarra com Hannah (Olivia Colman), religiosa fervorosa que sofre com a violência doméstica vinda de seu marido: de diversas maneiras, ela acaba entrando no mundo de Joseph, tudo graças a um sorriso.

 Apesar do poster, o filme não tem nada de paleontológico. O tiranossauro aqui é Joseph, ele é o predador, ele é o animal que, quando atacado, vai se defender violentamente. Apesar de sua explicação sobre o termo "tyrannosaur", fica claro que somos nós as verdadeiras máquinas de caçar (e nisso Hannah também irá crer). Com uma atuação soberba do veterano Peter Mullan (que merecia ter recebido mais indicações em outros prêmios de cinema), "Tyrannosaur" assusta, choca e, ao mesmo tempo, é meramente humano e, como já dizia o antigo, não devemos estranhar aquilo que é humano. 

Absolutamente imperdível.

Alex Martire

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O Segredo de Brokeback Mountain, 2005.

"A verdade é: às vezes eu sinto tanto a sua falta que mal posso aguentar".

Todos já passaram por isso. Ou passarão. E são nesses pequeninos momentos de falta de ar, olhos nublados e voz embargada que a gente descobre o quanto ama a outra pessoa, o quanto é difícil acordar sem ela ao lado e ter de carregá-la no pensamento, desejando que os dias se transformem em horas, as horas em minutos, e os minutos em momentos que jamais deveriam acabar quando, enfim, estamos ao lado de quem amamos.

Ang Lee pegou toda essa mistura de sentimentos presentes no conto original de Annie Proulx (com tradução já lançada aqui no Brasil) e transformou em um filme magnífico, em sua obra-prima. Se Ang Lee não tivesse feito esse filme, ele não ficaria tão bom: gosto bastante da produção do diretor, incluindo o "Hulk" (pois acredito que histórias têm de ter emoção, não apenas ação - ao contrário da adaptação mais recente), e para mim "Brokeback" ainda é a obra-prima de Lee.

Tudo em "Brokeback" beira à perfeição. As tomadas externas em Wyoming são dignas de se pendurar na parede, o uso moderado e discreto de filtros trazem sempre uma naturalidade às cenas, a trilha sonora não poderia ser melhor, as atuações são soberbas. Mesmo Gyllenhaal (Jack Twist) sendo um bom ator, quem rouba o filme é mesmo Heath Ledger. E ele merecia o Oscar por esse filme, não pelo Coringa: tudo bem, adoro a atuação dele no segundo filme do Batman, mas o papel mais maduro e difícil de sua carreira foi como Ennis Del Mar: um cara calado, introspectivo, que tenta segurar seus sentimentos e só consegue libertá-los escondido do mundo, em uma viela na beira da estrada ou diante do homem que ama, na montanha Brokeback. 

A história é quase um "Romeu e Julieta" passado entre as décadas de 1960 e 80 nos EUA. Mas se em Shakespeare a dificuldade estava em receber aprovação de duas famílias que se odiavam, aqui a coisa fica mais séria: é ir contra o preconceito de toda uma sociedade, é ter de guardar o seu verdadeiro amor na sombra, para que os outros não descubram que você é apaixonado por alguém do mesmo sexo. E se Romeu e Julieta se matam, em "Brokeback" o algoz é a intolerância daqueles que não aceitam o fato de, para o amor, simplesmente não existir diferenças. É revoltante que as pessoas, tal como Ennis e Jake, tenham de se exilar para poderem amar. E é mais revoltante ainda saber que, em 2012, a violência, a intolerância ainda são gigantescas.

De resto, sobram no filme cenas brilhantes. O primeiro beijo que acontece escondido nas escadarias da casa de Ennis; a carência de Jake, que não consegue aceitar ver seu companheiro apenas uma, duas vezes ao ano; a cena, já quase no final, da discussão deles na beira do rio em Brokback é extremamente linda e dolorosa: Jake diz que adoraria ter forças para deixar Ennis, ao que o homem calado responde em meio ao pranto: "E por que não me deixa?". São situações comuns a todos. Isso é tão absurdamente comum que é inacreditável que preconceitos estúpidos (pois não há preconceito que não o seja) possam tentar barrar duas pessoas que se amam. Existe diferença entre discutir sua paixão com sua namorada (namorado) ou dois homens (ou duas mulheres) discutirem entre si? O sentimento é o mesmo, a dor é a mesma! E os momentos felizes também são os mesmos, ora! Quantos mais vão ter o mesmo destino de Jack até que as pessoas simplesmente consigam olhar para dentro de si mesmas e ver que, no amor, não há diferenciação?

Um dos melhores filmes já feitos.

Alex Martire

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